亚里士多德认为：“艺术模仿的对象是实实在在的现实世界，艺术不仅反映事物的外观形态，而且反映事物的内在规律和本质，艺术创作靠模仿能力，而模仿能力是人从孩提时就有的天性和本能。”2）游戏说德国著名美学家席勒和英国学者斯宾塞，认为“艺术是一种以创造形式外观为目的的审美自由的游戏。”它揭示了艺术发生的生物学和心理学方面的某些必要条件，如剩余精力是艺术活动的重要条件，艺术的娱乐性和审美性等，揭示了精神上的自由是艺术创造的核心，对我们理解艺术的本质是富于启发的。
3）表现说英国诗人雪莱、俄国文学家列夫·托尔斯泰为代表的学派认为：原始人所有的艺术只有一个最主要的推动力，那就是他们通过各种艺术来表达他们的情感，从而促成了艺术的发生和发展。托尔斯泰认为：“艺术起源于一个人为了要把自己体验过的感情传达给别人，于是在自己心里重新唤起这种感情，并用某种外在的标志表达出来。
”4）巫术说英国著名人类学家泰勒在他的《原始文化》一书中提出：在原始人心目中，最初的艺术有着极大的实用功利价值。比如欧洲许多旧石器时代晚期的洞穴壁画和雕刻，往往是处在洞穴最黑暗和难以接近的地方，它们显然不是为了给人欣赏而制作的，而是史前人类企图以巫术为手段来保证狩猎的成功。类似于捕猎出征前的鼓舞士气的行为。
5）劳动说毕歇尔、希尔恩等认为艺术起源于劳动。 劳动提供了文学活动的前提条件, 比如满足生存基本需求之后，才会催生诸如音乐，舞蹈，文学等的创作。6）多元决定论著名的芬兰艺术学家希尔恩认为: 艺术本身就足一种综合性现象。所以，研究艺术的起源必须从社会学、人类学、心理学等多学科相结合的综合研究方法，才能真正揭示艺术起源的奥秘。
所以，你认为哪种起源学说更能与你有共鸣？艺术最大的转折是有一个叫杜尚的人发起的，一位浪漫帅气的法国艺术家。 把一个男性小便池拿去参加展览之后，艺术就彻底放飞自我，开始了跨媒介，跨形式，跨行业的各种糅合；自此，艺术彻底成为生活的一部分，也可以说生活处处是艺术。点击关注我@达乐奇画，关注我的纯美人体绘画专栏，与您分享更多美！。
艺术是对现实世界的高度还原，你怎么看？
作为一个艺术工作者，我不认可这样的结论，艺术是可以还原现实世界，因为它有记录生活的功能，但艺术不仅仅是摄影拍照，它还有不同种类的艺术形式和艺术语言，各种不同的艺术反映现实世界，具有各种艺术属性，艺术高于现实生活。艺术是感性的，艺术不同于理性的1 1=2，艺术的感性来自创作者的主观思维，同样观察一丛鲜花，有人看后创作出春意盎然的效果，有的人却创作出鲜花凋零的画面，艺术创作受人主观愿望的影响，不可能完全客观反映现实世界。
艺术的表现形式有哪些？什么才能称为艺术？
艺术是必须是人类情感世界的表达，是人类独有的感官发现。听到的，看到的，吃到的，小到男欢女爱的行为艺术，大到济世治国的政治艺术。可以是自然界直观的宣泄，可以是文化朦胧的意境抒发。是一种渴望的白描，是一种压抑的迸发。小河流水是艺术，大江东去也是艺术。是对原始状态的修饰，不是隐私外泄，不是血腥的染指，更不是阴谋。
世界上有哪些画家的艺术作品，既有欣赏意义，又有教育价值呢？为什么？
任何一个画家都是通过色彩笔墨这个载体，以视觉的形式向人们讲故事，把自己的思想情感通过绘画作品的渠道，和人们达成思想精神灵魂上的共鸣，问题来了：世界上有哪些画家的艺术作品，既有欣赏意义，又有教育价值呢？为什么？既有欣赏意义，又有教育价值的艺术作品世界上有很多画家的艺术作品，既有欣赏意义，又有教育价值的，比如，国画大师齐白石，他的国画作品栩栩如生，传统文化底蕴非常浓厚，他用作品告诉了世人，国画是可以“雅俗共赏”的，这就是齐白石艺术作品的教育价值，“似而非似之间”这也是国画的一种艺术境界， 除了国画大师齐白石之外，还有很多油画家的艺术作品，同样既有欣赏价值，又有教育价值，比如，欧洲文艺复兴时期天才艺术家达芬奇，他笔下的那些以素描为基础的油画作品，除设计大胆和伟大外，对自然界一切细节的精妙摹仿，恰如是真的一般，达芬奇的艺术创作是充满科学探索精神的，他那“黄金分割比例”就说明了一切，“艺术和科学之间的关系密不可分”，这就是达芬奇的艺术作品的教育价值，换句话说，艺术要像科学一样，极度的表现真实；还有那些以“人文主义”为核心价值观进行艺术创作的画家们的作品，都具有深刻的教育价值，可以这样认为，画家要创作有欣赏价值的作品，并不是一件很困难的事情，只要恰当合理的构图，处理好色彩与色彩之间的对比关系，从而给人很舒适的视觉感受，这样的作品就是有欣赏意义的，然而，要让作品具有教育价值，那不是一件简单的事情了，这和画家或艺术家自身的艺术认知、艺术素养，以及对现实社会状况的辨别能力有直接关系。
都说艺术表达“真善美”，那为什么有些艺术作品看起来很不美，甚至是奇形怪状的呢？
我们说，表达真善美是艺术的本质，但艺术表达真善美的形式又是多元化多样性的，是不拘一格的。有形象的，也有抽象的。青山峻岭是一种美，怪石嶙峋也是一种美。正是因为艺术的千姿百态，才使人们感受到了艺术的丰富多彩，才满足了不同读者对艺术的欣赏需求。以油画来说，有写实主义、印象主义、抽象主义三大主要表现手法。直观地看，写实主义油画大都以形象真切色彩饱满给人以美的视觉感受，比如达芬奇的《蒙娜丽莎》、安格尔的《泉》、布格罗的《心灵苏醒》、格维德的《雅典娜女神》等等。
印象主义虽然也带有写实特征且色彩艳丽，但很多是给人一种朦朦朦胧胧的感觉，比如莫奈的《日出》、马奈的《草地上的午餐》、高更的《我们从哪里来》等等。而抽象主义油画有些甚至就让人“莫名其妙”了，比如毕加索的《格尔尼卡》、《亚威农女人》，蒙克的《呐喊》等等。我想题主说的有些艺术“奇形怪状”，看上去一点都不美，应该就包括这些抽象油画了。
但是，真善美是一个大的概念，是针对艺术的本质而言，并不是具体指某一幅艺术作品，也不是指艺术作品是否“真切优美”。有些艺术作品，直观看上去，可能不一定符合人们传统审美中对“美”的认知和理解，但是它包涵并具有深刻的“真善美”的思想情感和本质内涵。还以毕加索的《格尔尼卡》为例，这幅画以抽象的图像组合深刻控诉了法西斯轰炸格尔尼卡镇的罪行，其中思想情感内容十分丰富，耐人寻味，引人深思。
作为艺术爱好者，你认为什么样的绘画作品，体现的是绘画技术的提高和绘画风格的改变？
笔者认为，绘画技术的提高和绘画风格的改变不是一个等同的概念。绘画技术的提高不一定代表就是绘画风格的改变，绘画风格的改变也不能说明就是绘画技术的提高。绘画技术与绘画风格是不好混为一谈的。绘画技术是指绘画的技巧技法，绘画风格是指绘画的表现手法，前者体现的是绘画的技术功底，后者体现的是绘画的审美理念。以油画来说，从总体上看，古典写实主义、印象主义、抽象主义是油画发展过程中的三个重要阶段，可以说是油画的“花开三朵，各表一枝”，同时也代表了油画的三种不同风格。
印象主义产生于古典写实主义之后，抽象主义产生于印象主义之后，它们的绘画风格是迥然不同的。但是，能不能说印象主义绘画技术就比古典写实主义提高了，抽象主义绘画技术就比印象主义提高了呢？我看是不能这么说的。它们只是在表现手法也就是绘画风格上发生了大的转变。但是如果从画家个体上看，同一个画家同一种风格也可以体现出画家绘画技术的提高。
比如法国十九世纪新古典主义和学院派重要代表安格尔，一生遵循写实创作，画风始终没有改变。《大宫女》是他艺术创作的第一个巔峰。十几年后，他又创作了《泉》。《泉》在绘画技法上比《大宫女》更瑧成熟，表明安格尔绘画技术又有了新的提升。相对于安格尔，后印象主义绘画大师梵高创作生涯中有过多次画风改变，绘画技术也随着他绘画风格的改变而不断提高，后期创作的《麦田》、《星空》是他绘画技法和表现手法的巅峰。
