看梵高的画，一看就是“画”，既不似照片翻版，也不似晦涩难懂、极其抽象。苏轼以之画飞禽。看梵高的画，一定会联想起卓尔不群的画家本人。“文人画”，时称“士人画”，首先由北宋中期的文同画墨竹开创的。在利益、欲望人眼中，凡是能拍卖出天价的，都是最有价值的画。
什么是文人画？
谢邀。“文人画”，时称“士人画”，首先由北宋中期的文同画墨竹开创的。文同，字与可，皇祐元年（1049）进士，元丰元年（1078）十月任湖州（今属浙江）知州，次年正月死于赴任途中，史称文湖州，其画风世称湖州派。文同诗文字画俱佳，以画名世，墨竹画虽起于唐代，而文同的墨竹画成就空前。经文豪苏轼的品题与发展，遂成“文人画”的开山。
苏轼与文同既是亲戚，又是诗朋画友，苏轼在文同死后品题文同所画墨竹时，记文同的著名画论：“画竹，必先得成竹于胸中，执笔熟视，乃见其所欲画者，急起从之，振笔直遂，以追其所见，如兔起鹘落，少纵则逝矣。与可之教予如此。……若予者，岂独得其意，并得其法。” 苏轼不仅用以画竹，更以画古木怪石著称。自称：“东坡虽是湖州派，竹石风流各一时”，与文同抗礼。
苏轼还以之画飞禽。作画提倡意似（神似，写意画），自然天成，诗画相通，认为：“高人岂学画，用笔乃其天”；“论画以形似（工笔画），见与儿童邻”；“诗画本一律，天工与清新”。《宣和画谱·墨竹叙论》所说的，“有以淡墨挥扫，整整斜斜，不专于形似，而独得于象外者，往往不出于画史，而多出于词人墨卿之所作”。正是文人画从画工画、画院画中独立出来的新流派的写照。
由于苏轼在文人画的创作中取得了比文同更大的成就，以及杰出的文人画画论的提出，加上苏轼文坛领袖的影响，文人画很快在文人中传播，对中国画史上文人画派的发展，产生了极大的影响。可惜随着时代的变迁，生活节奏的加快，拜金主义的盛行，集诗词歌赋绘画篆刻与一身的艺术家以不可寻觅，即使有画作问世，也不过是模仿，很难达到前人的高度，更不能有所突破。
怎样欣赏绘画作品？
怎样欣赏绘画作品？ 绘画越来越作为一种高深的、有层次的艺术，以至于大众对绘画会产生一些分歧，那么，怎样来欣赏绘画呢。 1 看整体，素描、水彩、油画、国画、版画等等作为不同材质区分，产生的艺术氛围不同，国画讲究韵味、笔触，素描、油画从西洋传过来，也称为所谓的西画，素描先看黑白灰层次分明，油画看艺术氛围和整体色调。
比如我们在欣赏梵高先生的《星空》，映入眼中第一感觉是它的颜色，强烈的对比，蓝色黄色那么干净纯粹，烘托出整体的一种氛围。 2 看色调关系，出彩的色调，首先要关系明确，冷暖对比，有层次感，可以是细腻的，也可以是粗旷的，不同风格表现形式。颜色关系烘托整体氛围，一幅好的作品，那么它的色调一定是融合的，也就是说，在这个整体的氛围里面，能够让人产生共鸣，让观看者能够身临其境，置身于画面所表现出来的艺术感中。
3 看细节刻画，国画也好，西画也好，都需要有整体，有局部，欣赏一些闪光的局部刻画，是作品加分的点。比如我们在欣赏大师的油画作品时，很多细节亮点可以仔细观察，不光是细节刻画，也可以看到它的局部色调微妙的变化，这些都是值得我们去细细欣赏品味的。 艺术是要有灵魂的，能让观看看到情感，产生共鸣，能够让人流连忘返的都是优秀的绘画作品，艺术没有固定的答案和限制，重要的还是观者的感受，觉得它能够给我带来美的享受就够了。
怎样才算有绘画天赋？
怎样才算有绘画天赋呢？我想从绘画成功人士中就能找出蛛丝马迹。抛弃天生俱来的能力和后天努力的之外，从另一个角度解读绘画的天赋是在绘画过程中对绘画具有独特的认识思想并付出实践的人，才具有绘画天赋。认识思想是行动的指南，也是成功的秘诀，有什么样的认识思想，就有什么样的行动。所有坚持绘画的人，都不缺少兴趣和勤奋，然而最后的结果却不尽相同，那这是为什么呢？就是绘画中对绘画的认识思想不同，所产生的结果。
绘画的认识思想是一个复杂的问题，而且也是一个很难改变的问题，这样我们就得从绘画艺术的目的、实质是什么？加以思考，得到认识，具有个性不同的画作才叫艺术。黄宾虹是专攻山水的绘画大师，他在50岁以前的话，广泛临摹各家各派名作，50岁至70岁，九上华山，五去九华，四登泰山，广泛游历名山大川，70岁后画法大变，独立门户，大器晚成。
黄宾虹早期的作品以谈逸清逸清峻为主，人称＂白宾虹＂，取法黄子久，倪云林及新安画派的缘故，从追随新安画派的“白宾虹＂到他晚年融汇北宋，五代诸家，并致力于石溪、龚贤等人的“黑宾虹＂的浑厚华滋的艺术效果，使他拉开古人和今人的距离，形成自己独特风格。没有认识思想的改变不可能成功。齐白石是我们家喻户晓的大画家，27岁学画画，一心对青藤、八大等画家非常羡慕，并追随画风，然而并没有使他走向成功，当他认清了自己是农民，而且他非常熟悉的农村生活是他绘画的灵魂时，才找到了自己的绘画语言。
乡土之心、童心、农家之心才造就了一个齐白石。他没有一股脑的模仿某家某派，而是用自己不同于别人的想法和做法，去画自己熟悉的生活题材，形成了自己的个人风貌，没有思想认识的改变，不可能出现齐白石大画家。毕加索从小就显出了绘画的天赋，没人去特意教他，然而他画什么像什么，甚至他能让小伙伴们提出动物的某一个部位，他能从某一个部位顺利的完成一张完美动物画，邻居儿童伙伴们都羡慕他。
可他对数学一窍不通，没有一次考试及格过，对绘画却没有怀疑过，始终保持强烈的热情。有些孩子最初所作的画，看来具有出奇的天分，到了七八岁以后这种天分却永远地消失了。毕加索却不是这样，开始他的画作，具有孩子气，但却不断的成熟，他的天分没有过早的早熟而扼杀。这和他绘画思想的认识有关，他的一生不断地变化自己的画风，使自己更具有独特魅力的画家。
毕加索的写实画风，在当时，也是独占鳌头，然而他的绘画思想是这样的，毕加索说：“画画而已，没有别的。一边画，一边寻求一种新的表达方式，抛去无用的写实主义，使用一种仅仅与我的思想有关的方法，不让我自己受到客观及真实所左右。既不是好的，也不是真的，既不是有用的，也不是没有用的。我的意念离开一切外在的体制而形成，不管公众或批评家们会怎么说＂他的绘画思想是独特的，所以完成了常人看不懂的世界名画《格尔尼卡》。
梵高的画到底好在哪？
观赏一件作品，自然会睹物思人。看梵高的画，一定会联想起卓尔不群的画家本人。从梵高的画来看，大家觉得它好，可能好在这几点吧：第一，有极强的生命力（例如向日葵）。画作中透出苦难、不屈、挣扎与呐喊。画作似乎都能浸出鲜血，仿佛画家将自己的血肉和灵魂都封印在作品里。第二，写实与虚幻相混合。看梵高的画，一看就是“画”，既不似照片翻版，也不似晦涩难懂、极其抽象。
怎样欣赏吴昌硕的画？
吴昌硕是一位开山立宗、誉满海内外的书画大师，是中国近现代书画史上的领军人物和最伟大的艺术家。吴昌硕先生已经去世九十一年了。他1844年（清道光二十四年农历八月初一）出生浙江安吉，1927年（民国十六年)死于上海寓所。他在几十年的艺术生涯里既师法古人，又“贵有我”，将诗、书、画、印融为一体，臻于化境，冠绝于世。
几乎没有人能说清楚他在哪个方面更加的出类拔萃。当然，吴昌硕先生以书入画、以字作画，一生爱梅，最善用色，因题益妙，郁勃之气，将金石书法与写意绘画完美结合，为海派绘画开辟了新天地，成为了文人写意画的一代宗师，极大地丰富了吴昌硕先生的艺术成就。但他这座雄伟艺术宝塔的基础和塔尖还是“书法”。沙孟海先生曾评价:“昌硕先生以诗、书、画、印四绝雄视一世，一般看法，他的最基本功夫是放在书法上的。
”（沙著《吴昌硕先生的书法》）所以，纵观吴昌硕一生的艺术成就，仍然以书法的成就最大、最高。吴昌硕先生的书法，诸体皆能。总体上是:己意多于师法，自创大于继承。其真书师法钟太傅，又涉猎北魏碑学，隶书结体偏好纵长之势、且终生不变，行草追求“既易纵情书写又易识易读、既便于艺术表达又具备实用功能”的书体风格，篆书钟爱《石鼓文》，心慕手追，以临为创，取法《石鼓文》，化变《石鼓文》，以苍茫、雄浑、深邃的大格局，洞开了诗词、绘画、篆刻创作的洪荒之门，成就了他一生的艺术辉煌！。
没有文化，可以画好画吗？
文化，指具有一定的学历，也指一定的文化艺术修养。画画，是一项十分复杂的艺术活动，古今中外的画家，没有缺少文化就可以画好画的！就我国古代画家而言，如“明四家”的文沈唐仇中，除了仇英是画工出身外，文征明，沈石田，唐伯虎三人，都是著名画家，书法家和诗人。仇英虽然文化低，这是他家庭当初没有给他机会读书学习造成的，但是他的艺术领悟能力却十分高。
能够在文沈唐之外，独成一家，实属有极高的天分和艺术修养，这足以说明，画画是离不开文化的。再看看明末清初八大山人，苦瓜和尚等出家人，虽说他们的学历不好明确，但他们的书画诗作品，就可以证明他们有非常深厚的文化底蕴！近代以来可以用齐白石作例子，白石老人当初由于家贫和身体原因，上学不久便辍学在家。工作之余画画写字，但到青年时期，经过当地文人胡沁园等人的栽培，不仅画画，而且写字，刻印，作诗，均发生了质的飞跃，相当于后来的“研究生”学历，直到晚年成了诗书画印“四绝”的大师。
此种情况完全说明文化修养的重要性。就近现代美术史看，没有文化的画家是罕见的，大画家不仅文化层次高，与此相关的艺术修养也很深。能画画，或者能书法，能写理论文章，不少还是高等院校的教授，或者画院的研究员，肩负培养新一代人才的重任，没有文化，甚至文化层次不够，根本不可能在高等院校立身扬名。然而，对于一般画画作者而言，也必须具有相当的文化，会美术理论，美学欣赏，懂得美术史，明白各种美术流派，风格，特点及其代表人物，代表作品，最好还能读懂文言文的画论。
世界上最有价值的画是什么画？你怎么看？
在利益、欲望人眼中，凡是能拍卖出天价的，都是最有价值的画。而在这个时代，由于机构的操作、X钱、人为的炒作等等因素，许多画作，被不断的推高，使许多没有多少艺术价值的作品，在艺术品的拍卖市场上，屡屡创出新高，刷新了人的生命认知及对审美的迷惑。而在不断被推高的作品中，许多现代人的作品，本身就没有多少艺术价值，但是在别有用心人的操作下，比许多承前启后的古代杰作还火爆，价格还高。
从而可见人的审美的堕落程度，是完全被欲望冲昏头脑的，人对艺术认知的审美态度，更是在不断的堕落。米开朗基罗《逐出伊甸园》因之，在艺术史的不断推进中，我以为，凡是能在艺术史上，被人熟记的作品，都是最有价值的画。而这个价值取向是人类的视野、人类的欲望无法衡量的，不是人类能站在自我的立场上来做出的价值判断，而是站在信仰与艺术史的拓展路径之中，来对待一幅画的艺术价值。
达芬奇《圣约翰在旷野》为此，在艺术史家的视野中，包括我现在的认知，感觉到凡是能在艺术史及人类历史的文化活动中，许多作品都是承上启下的，都是艺术史上杰作的一环。它们以独特的形式，新颖的视觉，极具新意的审美，创新的构图形式，别具一格的艺术主义，拓展开艺术史家视域中的文化视野，让灵魂中与生俱来的生命认知，成为见证一个时代，对过往艺术大家及艺术杰作的新的界定，从而推断出一个时代的艺术，在现时代过程中的艺术价值。
