早期“以神造形”就已在花鸟画的审美创作中应用。如北宋时期,宣和院就曾以“蝴蝶梦中家万里”等诗句考验画家,要求画家创作形神统一的花鸟画。到南宋时期,这种以诗意考核绘画的方式转变成了立足自然花鸟的真实形态与神韵创设新的造型,以更深入地传达自然花鸟的神韵与画家的内心情感如南宋流传至今的《瓦雀栖枝图》,中间一只眼睛直接俯视下方的小鸟的描绘可谓是深刻却又脱俗。
在现实情境中,若小鸟向下俯视,其眼睛是被遮挡且不可见的。即便是侧目向下,其中必然有种眼睛是被遮挡的。但此时画家却一反常态,打破寻常画法,刻意地将小鸟的双眼都描绘出来。这种看似意外的描绘,却又属于意料之中。而鸟儿两只眼睛的描绘,不仅有效地保持了观赏者视觉的平衡,又深入地描绘与传达了鸟儿回首俯视的刹那间神韵。
又如南宋画家徐崇矩创作的《红蓼水禽图》就曾被清代初期鉴藏家耿昭忠盛赞为“传写物态,蔚有生意”。与常态的水禽不同,徐崇矩特地在其描绘的鸟的嘴峰处“锦上添花”,使鸟儿拥有了如人般的“胡须”,从而衬托出鸟儿犀利盯着水面,欲捕捉水中之鱼的坚定神韵。直至今日,这种在原型与神韵基础上创新神韵,以传达更深层情感的“以神造形”依旧颇得艺术界好感结语自南宋至今,工笔花鸟画艺术始终保有两个特点,一是用笔精工,色彩艳丽,作品整体具有较强的艺术生命力。
二是画中有诗,且诗意盎然。即南宋工笔花鸟画在形态描绘到位的同时还具有“神无形不存”、“形无神不灵”的特质,形神关系已上升到了高度统一与依存的境界。这种境界又使南宋工笔画具备了良好的装饰性。特别是在花鸟外在形体、内在生气与神韵精深描绘之上,其形神关系已上升到了高度完美的统一。这也为现代装饰描绘提供了良好的借鉴。
花鸟画里，如何处理花与鸟的关系？
谢谢邀请！花鸟画里，如何处理花与鸟的关系？鸟语花香，百家齐放，百家争鸣，画家笔下的花鸟，栩栩如生，活灵活现的简单的说一下花鸟在画里的，关系和处理画工先准备画纸和笔，选择画纸还有一定的讲究，好的画纸不透墨汁选择好的画纸和笔很重要画工选完纸和笔，开始着重选择花鸟的格式的处理，花鸟的格式处理也很重要在选则花和鸟的颜色和搭配问题这个最重要，选好了颜色和搭配，画出来的花鸟，活力活现的，鲜艳耀眼好看，还有层次感画工在画划时，要有灵感才能画出来有灵感的画来画家，心情不好时，不能画，心情对对画工也有极大关联有灵感画的花鸟，就象在眼前一样，亲临其境的美，尽收眼底，美的自然风景，与画家何自然融为一体。
油画的写生与国画的写生有哪些区别？
油画写生和国画写生在时间上和空间上工具上有一定的区别。例如，油画静物写生主要是在室内完成，静物画为静止的摆设物体入画。油画静物是西方绘画中一种具有独立审美价值和精神取向的绘画体裁和形式。由于其形态的静止性、光线的固定性和色彩关系可被随意组合的调配，在写生的过程中可以进行反复的观察和研究。国画花鸟画写生则不一样，花鸟画是以动植物为主要描绘对象的中国画传统画科。
中国花鸟画集中体现了中国人与作为审美客体的自然生物的审美关系，具有较强的抒情性。花鸟画虽然也写生但大多数是半写半默的状态主要是描绘自然界的生长规律和变化是动态的写生。当然随着学院派的兴起也结合了西画的静物写生原理静止的书写和描绘。花鸟画主要还是通过抒情的方式来表达作者的思想感情。体现出时代的一种精神面貌，间接地反映了社会生活。
再如，油画风景写生和山水画写其特点就更为明显了。油画为焦点透视取景国画为散点透视取景。油画风景是以自然景物为描绘对象，用油画材料进行绘画创作。油画风景中的明暗就是在阳光照射下物体所反射的光线。主要强调空间和体积，明暗对比强可以产生空间感。写实风景油画中吸收了多种材质的运用，画面的效果处理明显优于其他绘画。
印象的绘画技巧上对光和色进行了探讨，研究出用外光描写对象的方法，并认识到色彩的变化是由光色造成的，色彩是随着观察位置，受光状态的不同和环境的影响而发生变化，同时把这种科学原理运用到绘画中去。山水画是描写山川自然景色为主体的绘画。山水画，是禀爱自然的精华，天地的秀气，所以阴阳、晦冥、晴雨、寒暑、朝昏、昼夜有无穷的妙趣。
表演时注意商业定位和意境。可游可赏的境界。画家常常从它那里徜徉到素描，这是一种影响自然规律和天人合一的审美趣味。至于人物画，油画人物最能体现立体感和质感，是西方油画家最喜欢的流派。因为油画材料有粘性，适合画立体人像，所以欧洲历史上著名的油画大多是油画。中国人物油画的传统称谓是“传神”或“肖像”。它以现实生活或历史中客观存在的人物为描写对象，通过生动的描写、生动的想象等创作方法，着重刻画人物特定的外在特征和内在魅力，达到形神兼备的效果。
